Comedia dell´arte

También es conocida con el nombre de comedia all’improviso (que utiliza la improvisación), comedia popolare o comedia de Maschere (de máscaras)

Es la aportación más original de Italia al teatro universal. Se caracteriza por ser un tipo de espectáculo muy popular y por carecer de texto previo. La trama se reduce a un breve guión sobre el que los actores improvisan sus diálogos. Los actores, usan atuendo y máscara que caracterizan a sus personajes. Los principales son: los viejos antipáticos (el Doctor); los criados, los ingeniosos (Arlequín); el Capitan Spavento, soldado fanfarrón y los enamorados. La improvisación lo era casi todo y el puro juego teatral del actor con la mímica, bufonadas, zancadillas, bastonazos…

Cada personaje se distingue de los otros a través de su máscara, los movimientos del cuerpo, haciendo chistes o saltando. 

Las compañías de la comedia del arte viajaban de una población a otra, aunque las más importantes se quedaban en las grandes ciudades. Los grupos no estables llevaban consigo toda su utilería, escenarios muy simples, con una cortina de fondo como único decorado. Si el lugar al que iban les daba la oportunidad de representar en verdaderos teatros, eran maestros utilizando la escenografía, las máquinas de efectos, etc.

Escenificación de la comedia dell´ arte

Las obras se dividían en tres actos, tenían una trama definida y una serie de personajes arquetípicos, dentro de esos dos límites los actores podían improvisar. Los temas solían ser enredos amorosos, celos, etc. La proporción de texto y gesticulación podía variar en función del país donde estuviera actuando la compañía, en países extranjeros había menos gags verbales y más visuales.


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El realismo

Las obras realistas tienen dos importantes retos; una es alcanzar la elevación de espíritu y expresión, y otra conseguir el efecto dramático sin perder la sensación de naturalidad. Los vestuarios y escenografías, rigurosos y fieles a la realidad, y el escenario de “medio cajón” tenderían precisamente a proporcionar esta sensación ilusoria de estar contemplando algo que sucede realmente.

En Francia, El Teatro Libre de Antoine era el verdadero escaparate del Realismo y fundó el modelo de teatro experimental que luego se seguiría en el resto de Europa y en Estados Unidos. Supuso una renovación en la forma de interpretar, pues hizo que los actores hablaran y se movieran como seres humanos reales, eliminando la norma de no dar la espalda al público. Utilizaba decorados realistas, con muebles reales de la época, sin usar bambalinas ni telones. Su proyecto supuso un triunfo para el teatro ya que logró encontrar una forma realista de representar, humanizó la actuación, estimuló la creación de nuevos dramaturgos y creó la idea de los conjuntos actorales.


“Vieille renommée”, puesta en escena de André Antoine

En Rusia, el Realismo se convirtió en teatro psicológico. El Teatro del Arte de Moscú, consigue que Antón Chejov, que había fracasado anteriormente con su obra “La gaviota”, se convenciera de seguir escribiendo para el teatro, y así surgieron obras maestras del drama como “El tío Vania”, “Las tres hermanas” o “El jardín de los cerezos”. En sus obras no se produce el conflicto de héroes o heroínas, sino que la historia parte ya de un conflicto en el que esos héroes y heroínas han sido ya derrotados; no luchan, sino que se abandonan a un destino ya cumplido; la obra desarrolla esa derrota vital de los personajes.

Bernard Shaw, un autor que cosecha grandes éxitos con comedias de fino humor, como “Casa de Viudos” o “El soldado de chocolate”. Su obra culminante fue “Cándida”. La continuada calidad de sus obras le consagraron como el más grande de los dramaturgos ingleses modernos.

George Bernard Shaw

En Inglaterra, en la década de los años 1890, aparecen dos dramaturgos realistas de importancia. Oscar Wilde cautivó al público londinense con sus comedias de alta sociedad, llenas de ironía, en las que manejaba como nadie un lenguaje cínico y elegante; escribió cuatro comedias cuya culminación fue “La importancia de llamarse Ernesto”.

La obra se estrenó en 1895, bajo el subtítulo: “comedia banal para gente muy seria”. Toda ella es un juego de acciones y lenguaje, aprovechando los dobles sentidos de las palabras y las significaciones sociales de los términos, la puesta fue todo un éxito que se vio empañado por el escándalo propio de una sociedad puritana y cruel, deseosa de ver caer al hombre que se había atrevido a cuestionar las bases y principios de esa misma sociedad.

El Realismo español está representado por las obras teatrales de Benito Pérez Galdós, que a veces son adaptaciones de sus novelas, y por Echegaray, que obtuvo el Premio Nobel , y que fue un autor de éxito en su momento, pero hoy poco considerado.

Fuente: https://arteescenicas.wordpress.com/2010/02/10/teatro-del-siglo-xix-teatro-realista-y-naturalista/