El grande de los grandes del teatro isabelino inglés

El teatro isabelino inglés es un teatro cortesano y un teatro popular que cubre las dos últimas décadas del s. XVI y casi toda la primera mitad del siglo XVII. Se desarrolló durante los reinados de Isabel I, Jacobo I, y Carlos I. Empezó a representarse en escenarios improvisados como patios de las posadas. Se edificaron locales en las proximidades de Londres, destacando The Swan (el cisne) de forma circular y The Globe (el globo) de forma hexagonal. El público era popular, y reclamaban diversión y emoción.

Teatro isabelino inglés

WILLIAM SHAKESPEARE

Es el máximo representante del teatro isabelino. En 1592 empezó a formar parte de la compañía teatral Lord Chamberlain. Se dedicó al drama histórico y la comedia, tomando como punto de partido obras de otras épocas. Tras el cambio de siglo, su obra abandona el tono cómico, y se adentra en terrenos más sombríos creando sus tragedias: Romeo y Julieta (en la etapa anterior), Hamlet, Otelo, El rey Lear y MacBeth. 

​Características de su teatro: estilo rico (desde la expresión más coloquial a la más culta, por lo que provoca emoción en el espectador); eleva a sus protagonistas a la categoría de personajes universales al encarnar pasiones como el amor, celos envidia; incluye al personaje cómico (clown o bufón) cuyas intervenciones, sin perder el tono irónico producen un humor más amargo que burlesco y refuerza la tensión dramática.

William Shakespeare
SUS COMEDIAS

Los personajes son un reflejo de la sociedad, son criaturas de carne y hueso individualizadas. Sin ser aleccionadas, deducen los peligros de las actitudes nocivas, y se resuelven felizmente. Predominan los malentendidos, las intrigas de giros inesperados, etc. Destacan: “El mercader de Venecia”, “El sueño de una noche de verano”. Aunque predomina el tono burlesco, se tiñen de gravedad y melancolía.

sus tragedias

Las más sobresalientes fueron creadas entre 1601 y 1606 y en ellas se suele combinar el verso y la prosa con un lengua desde la expresión más elevado al registro más familiar.

Romeo y Julieta: escrita en 1597. Parte de una historia italiana escrita en el 1er cuarto del s. XV y se desarrolla en Verona dos siglos antes. Los protagonistas son hijos de dos familias enemistadas (Montesco y Capuleto). Ambos se enamoran y los dos se ven atrapados entre la pasión amorosa y la fuerza del odio entre sus familias. Se juran amor eterno y recorren el camino contra el peso de las convenciones y acaban sucumbiendo ante un destino adverso contra el que no pueden luchar.

El rey Lear: escrita entre 1604-1605. El autor se basa en una antigua leyenda céltica. Obra moral donde luchas dos grandes fuerzas: el bien y el mal. Este conflicto se manifiesta con la oposición de conceptos como : amor y odio, fidelidad e ingratitud, etc…La obra  se centra en la historia de Lear, el rey que, al repartir su reino comete una injusticia con la menor de sus hijas, Cordelia. En esta obra vemos la ingratitud de las dos hijas favorecidas y la fidelidad de la perjudicada, quien no es capaz de salvar a su padre de su desenlace trágico provocado por la injusticia y el abandono de sus dos hijas ingratas movidas por la ambición.

Otelo, el moro de Venecia: escrita en 1603, basada en una obra italiana. Tema: poder destructivo de los celos. Otelo, recién casado se traslada a Chipre con su esposa como nuevo embajador veneciano con oficiales a su cargo, entre los que está Yago, quien le infunde sospechas de la infidelidad de su esposa. Otelo, víctima de celos irremediables, la mata. Al descubrirse la oscura trama que le ha llevado al injusto asesinato, se suicida.

-Macbeth: escrita en 1606, parte de un suceso del s. XI de la historia de Escocia. El tema principal: ambición y consecuencias (traición y deslealtad) Macbeth, primo del rey Duncan, con la profecía de 3 brujas de que reinaría algún día e instigado por su esposa lady Macbeth, asesina al rey y comienza así una espiral de crímenes para asegurar que nadie se interpone en sus planes. Lady Macbeth es derrotada por los remordimientos y su marido es aniquilado por personas con deseos de venganza y justicia.

Hamlet: escribió varias versiones entre 1601 y 1606 de esta obra y está  basada en una leyenda escandinava recogida en el s. XII por un cronista danés y trasladada al francés por Belleforest en el s. XVI. El tema principal es la duda que siente el joven Hamlet entre la acción (vengar la muerte de su padre a manos de su tío, que se ha casado con su madre) y la reflexión (implicaciones morales del asesinato). Otros temas como la venganza o la locura (en Hamlet es fingida pero en Ofelia es real) y el incesto.

“Ser o no ser, esa es la cuestión” – Hamlet (Shakespeare)

La obra consta de 5 actos similares, divididos a su vez en escenas. Todo el primer acto es planteamiento con apariciones del espíritu del padre de Hamlet y reclamo de venganza. En los siguientes actos se acumula tensión y los episodios dolorosos conducen a la escena final representando la destrucción total. Gran variedad de personajes, pero el protagonista es Hamlet y los sentimientos (odio, pasión, amor que experimenta. Antagonista el rey Claudio que representa la ambición y maquinación. Los demás personajes representan valores como la inocencia en Ofelia, lealtad de Horacio.. Sobre el estilo: se destaca la prosa de la obra, de un alto lirismo a veces, capacidad de expresar los sutiles matices del sentimiento. Lenguaje popular, mezclados con fragmentos en verso.

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Molière y el clasicismo francés

Nació en París en 1622. Crea sus obras en la línea de la comedia dell´arte. Tuvo éxito con las farsas donde critica a poderosos sectores burgueses.

Algunas de las comedias en las que recrea vicios y defectos encarnados en personajes convertidos en prototipos universales son:

“Tartufo”: sátira contra la hipocresía religiosa. Escrita en verso. El protagonista es un farsante que finge bondad y se gana la confianza de un viejo beato quien le acoge en su casa y lo quiere casar con su hija.

“Don Juan o el festín de piedra”: recreación del personaje libertino y conquistador que había usado por 1ª vez el español Tirso de Molina en El Burlador de Sevilla. Molière dota a este personaje de rasgos propios del ambiente cortesano francés, pero mantiene en él la falta de escrúpulos de quien está por encima de cualquier ley o convención moral. El mito de don Juan alcanza mayor difusión durante el Romanticismo, en poemas de Lord Byron, y así como José de Espronceda se basa en este personaje para construir a Don Félix de Montemar en El estudiante de Salamanca.

El misántropo: obra que critica el mundo superficial y frívolo de la buena sociedad parisina.

“El enfermo imaginario”: obra en la que critica: la falsedad, centrada en el ejercicio de la profesión médica (un burgués hipocondríaco, despilfarra su fortuna en servicios médicos y boticarios de conocimientos obsoletos) y su mujer finge que le quiere esperando su muerte para heredar su fortuna; los matrimonios de conveniencia y el abuso de la autoridad paterna (la hija es forzada a casarse con un médico necio, mientras ella está enamorada de otro joven).

“El avaro”: es una comedia en 5 actos escrita en prosa en la que se satiriza la avaricia, crítica a los matrimonios de conveniencia y al abuso de la autoridad paterna. El protagonista (con la avaricia como defecto) prepara un matrimonio descabellado y contrario a la voluntad de sus hijos (quienes desean casarse con sus amores). Al final, el empeño de estos y con la intervención de otros personajes, desbaratan los planes del necio protagonista. La pasión que domina a un tipo individual, lo lleva a adquirir el rango de prototipo universal. Estilo natural en el lenguaje, expresividad, viveza, tono conversacional. Cada personaje se expresa según su condición y nivel.

Comedia dell´arte

También es conocida con el nombre de comedia all’improviso (que utiliza la improvisación), comedia popolare o comedia de Maschere (de máscaras)

Es la aportación más original de Italia al teatro universal. Se caracteriza por ser un tipo de espectáculo muy popular y por carecer de texto previo. La trama se reduce a un breve guión sobre el que los actores improvisan sus diálogos. Los actores, usan atuendo y máscara que caracterizan a sus personajes. Los principales son: los viejos antipáticos (el Doctor); los criados, los ingeniosos (Arlequín); el Capitan Spavento, soldado fanfarrón y los enamorados. La improvisación lo era casi todo y el puro juego teatral del actor con la mímica, bufonadas, zancadillas, bastonazos…

Cada personaje se distingue de los otros a través de su máscara, los movimientos del cuerpo, haciendo chistes o saltando. 

Las compañías de la comedia del arte viajaban de una población a otra, aunque las más importantes se quedaban en las grandes ciudades. Los grupos no estables llevaban consigo toda su utilería, escenarios muy simples, con una cortina de fondo como único decorado. Si el lugar al que iban les daba la oportunidad de representar en verdaderos teatros, eran maestros utilizando la escenografía, las máquinas de efectos, etc.

Escenificación de la comedia dell´ arte

Las obras se dividían en tres actos, tenían una trama definida y una serie de personajes arquetípicos, dentro de esos dos límites los actores podían improvisar. Los temas solían ser enredos amorosos, celos, etc. La proporción de texto y gesticulación podía variar en función del país donde estuviera actuando la compañía, en países extranjeros había menos gags verbales y más visuales.


Personajes de la Comedia dell´arte

Imagen del Pantalone

Estos son algunos de los caracteres más representativos del teatro de la época:

Polichinela (Pulcinella): vestido siempre de blanco y con un gorro puntiagudo. Tenía una nariz aguileña y barbilla prominente, con voz nasal y de elevado volumen. A veces tenía joroba. Era un astuto matón que no se separaba de su garrote para darle una paliza a quien no pensara como él.

Arlequín: su vestimenta es un traje hecho de parches y remiendos de colores que representaba su bajo estatus. Arlequín complica la historia, siendo muy mal mensajero pues siempre se distrae cambiando los planes y  equivocándose en las órdenes recibidas.

Imagen del Arlequín

Brighella: viste con una camiseta blanca pantalones negros y una gorra verde. Es uno de los zannis más astutos, es cínico y sarcástico. 

Imagen del Brighella

Colombina: es la doncella de la enamorada y amante de Arlequín, es inteligente y astuta. Y siempre se veía envuelta en  la intriga. 

Zanni: era el sirviente más pobre, hambriento y tonto de todos. Servia a Dottore, Capitano o Pantalone y nunca hacia un buen trabajo, pues se la pasaba durmiendo durante el trabajo o se escapaba buscando comida.

Pantalone: era el viejo mercante y tacaño, unas veces rico y apreciado por la nobleza y otras veces arruinado, pero siempre muy particular. Un señor inocente y crédulo, al que siempre buscaban burlar. Es rival de Arlequín.Para ocultar su edad en su afán de atraer a las mujeres, Pantaleone llevaba una extraña indumentaria turca, que consistía en un calzón ajustado a las piernas y ceñido hasta las rodillas.

Imagen del Pantalone

Capitano: es arrogante y egocéntrico, arquetipo del fanfarrón. Detrás de su fachada de coraje siempre terminaba exhibido como un cobarde que le tiene miedo a casi todo.

Dottore: representa el arquetipo del que sabe, es feliz de saber y de enseñar sus ciencias. Representa a aquellos que dicen saber y no saben nada.

Imagen del Dottore
El Dottore

Los enamorados: No suelen estar definidos psicológicamente, se limitan a suspirar y dejarse enredar por sus criados. Están siempre muy distraídos por el frenesí de su pasión.