El grande de los grandes del teatro isabelino inglés

El teatro isabelino inglés es un teatro cortesano y un teatro popular que cubre las dos últimas décadas del s. XVI y casi toda la primera mitad del siglo XVII. Se desarrolló durante los reinados de Isabel I, Jacobo I, y Carlos I. Empezó a representarse en escenarios improvisados como patios de las posadas. Se edificaron locales en las proximidades de Londres, destacando The Swan (el cisne) de forma circular y The Globe (el globo) de forma hexagonal. El público era popular, y reclamaban diversión y emoción.

Teatro isabelino inglés

WILLIAM SHAKESPEARE

Es el máximo representante del teatro isabelino. En 1592 empezó a formar parte de la compañía teatral Lord Chamberlain. Se dedicó al drama histórico y la comedia, tomando como punto de partido obras de otras épocas. Tras el cambio de siglo, su obra abandona el tono cómico, y se adentra en terrenos más sombríos creando sus tragedias: Romeo y Julieta (en la etapa anterior), Hamlet, Otelo, El rey Lear y MacBeth. 

​Características de su teatro: estilo rico (desde la expresión más coloquial a la más culta, por lo que provoca emoción en el espectador); eleva a sus protagonistas a la categoría de personajes universales al encarnar pasiones como el amor, celos envidia; incluye al personaje cómico (clown o bufón) cuyas intervenciones, sin perder el tono irónico producen un humor más amargo que burlesco y refuerza la tensión dramática.

William Shakespeare
SUS COMEDIAS

Los personajes son un reflejo de la sociedad, son criaturas de carne y hueso individualizadas. Sin ser aleccionadas, deducen los peligros de las actitudes nocivas, y se resuelven felizmente. Predominan los malentendidos, las intrigas de giros inesperados, etc. Destacan: “El mercader de Venecia”, “El sueño de una noche de verano”. Aunque predomina el tono burlesco, se tiñen de gravedad y melancolía.

sus tragedias

Las más sobresalientes fueron creadas entre 1601 y 1606 y en ellas se suele combinar el verso y la prosa con un lengua desde la expresión más elevado al registro más familiar.

Romeo y Julieta: escrita en 1597. Parte de una historia italiana escrita en el 1er cuarto del s. XV y se desarrolla en Verona dos siglos antes. Los protagonistas son hijos de dos familias enemistadas (Montesco y Capuleto). Ambos se enamoran y los dos se ven atrapados entre la pasión amorosa y la fuerza del odio entre sus familias. Se juran amor eterno y recorren el camino contra el peso de las convenciones y acaban sucumbiendo ante un destino adverso contra el que no pueden luchar.

El rey Lear: escrita entre 1604-1605. El autor se basa en una antigua leyenda céltica. Obra moral donde luchas dos grandes fuerzas: el bien y el mal. Este conflicto se manifiesta con la oposición de conceptos como : amor y odio, fidelidad e ingratitud, etc…La obra  se centra en la historia de Lear, el rey que, al repartir su reino comete una injusticia con la menor de sus hijas, Cordelia. En esta obra vemos la ingratitud de las dos hijas favorecidas y la fidelidad de la perjudicada, quien no es capaz de salvar a su padre de su desenlace trágico provocado por la injusticia y el abandono de sus dos hijas ingratas movidas por la ambición.

Otelo, el moro de Venecia: escrita en 1603, basada en una obra italiana. Tema: poder destructivo de los celos. Otelo, recién casado se traslada a Chipre con su esposa como nuevo embajador veneciano con oficiales a su cargo, entre los que está Yago, quien le infunde sospechas de la infidelidad de su esposa. Otelo, víctima de celos irremediables, la mata. Al descubrirse la oscura trama que le ha llevado al injusto asesinato, se suicida.

-Macbeth: escrita en 1606, parte de un suceso del s. XI de la historia de Escocia. El tema principal: ambición y consecuencias (traición y deslealtad) Macbeth, primo del rey Duncan, con la profecía de 3 brujas de que reinaría algún día e instigado por su esposa lady Macbeth, asesina al rey y comienza así una espiral de crímenes para asegurar que nadie se interpone en sus planes. Lady Macbeth es derrotada por los remordimientos y su marido es aniquilado por personas con deseos de venganza y justicia.

Hamlet: escribió varias versiones entre 1601 y 1606 de esta obra y está  basada en una leyenda escandinava recogida en el s. XII por un cronista danés y trasladada al francés por Belleforest en el s. XVI. El tema principal es la duda que siente el joven Hamlet entre la acción (vengar la muerte de su padre a manos de su tío, que se ha casado con su madre) y la reflexión (implicaciones morales del asesinato). Otros temas como la venganza o la locura (en Hamlet es fingida pero en Ofelia es real) y el incesto.

“Ser o no ser, esa es la cuestión” – Hamlet (Shakespeare)

La obra consta de 5 actos similares, divididos a su vez en escenas. Todo el primer acto es planteamiento con apariciones del espíritu del padre de Hamlet y reclamo de venganza. En los siguientes actos se acumula tensión y los episodios dolorosos conducen a la escena final representando la destrucción total. Gran variedad de personajes, pero el protagonista es Hamlet y los sentimientos (odio, pasión, amor que experimenta. Antagonista el rey Claudio que representa la ambición y maquinación. Los demás personajes representan valores como la inocencia en Ofelia, lealtad de Horacio.. Sobre el estilo: se destaca la prosa de la obra, de un alto lirismo a veces, capacidad de expresar los sutiles matices del sentimiento. Lenguaje popular, mezclados con fragmentos en verso.

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Molière y el clasicismo francés

Nació en París en 1622. Crea sus obras en la línea de la comedia dell´arte. Tuvo éxito con las farsas donde critica a poderosos sectores burgueses.

Algunas de las comedias en las que recrea vicios y defectos encarnados en personajes convertidos en prototipos universales son:

“Tartufo”: sátira contra la hipocresía religiosa. Escrita en verso. El protagonista es un farsante que finge bondad y se gana la confianza de un viejo beato quien le acoge en su casa y lo quiere casar con su hija.

“Don Juan o el festín de piedra”: recreación del personaje libertino y conquistador que había usado por 1ª vez el español Tirso de Molina en El Burlador de Sevilla. Molière dota a este personaje de rasgos propios del ambiente cortesano francés, pero mantiene en él la falta de escrúpulos de quien está por encima de cualquier ley o convención moral. El mito de don Juan alcanza mayor difusión durante el Romanticismo, en poemas de Lord Byron, y así como José de Espronceda se basa en este personaje para construir a Don Félix de Montemar en El estudiante de Salamanca.

El misántropo: obra que critica el mundo superficial y frívolo de la buena sociedad parisina.

“El enfermo imaginario”: obra en la que critica: la falsedad, centrada en el ejercicio de la profesión médica (un burgués hipocondríaco, despilfarra su fortuna en servicios médicos y boticarios de conocimientos obsoletos) y su mujer finge que le quiere esperando su muerte para heredar su fortuna; los matrimonios de conveniencia y el abuso de la autoridad paterna (la hija es forzada a casarse con un médico necio, mientras ella está enamorada de otro joven).

“El avaro”: es una comedia en 5 actos escrita en prosa en la que se satiriza la avaricia, crítica a los matrimonios de conveniencia y al abuso de la autoridad paterna. El protagonista (con la avaricia como defecto) prepara un matrimonio descabellado y contrario a la voluntad de sus hijos (quienes desean casarse con sus amores). Al final, el empeño de estos y con la intervención de otros personajes, desbaratan los planes del necio protagonista. La pasión que domina a un tipo individual, lo lleva a adquirir el rango de prototipo universal. Estilo natural en el lenguaje, expresividad, viveza, tono conversacional. Cada personaje se expresa según su condición y nivel.

Comedia dell´arte

También es conocida con el nombre de comedia all’improviso (que utiliza la improvisación), comedia popolare o comedia de Maschere (de máscaras)

Es la aportación más original de Italia al teatro universal. Se caracteriza por ser un tipo de espectáculo muy popular y por carecer de texto previo. La trama se reduce a un breve guión sobre el que los actores improvisan sus diálogos. Los actores, usan atuendo y máscara que caracterizan a sus personajes. Los principales son: los viejos antipáticos (el Doctor); los criados, los ingeniosos (Arlequín); el Capitan Spavento, soldado fanfarrón y los enamorados. La improvisación lo era casi todo y el puro juego teatral del actor con la mímica, bufonadas, zancadillas, bastonazos…

Cada personaje se distingue de los otros a través de su máscara, los movimientos del cuerpo, haciendo chistes o saltando. 

Las compañías de la comedia del arte viajaban de una población a otra, aunque las más importantes se quedaban en las grandes ciudades. Los grupos no estables llevaban consigo toda su utilería, escenarios muy simples, con una cortina de fondo como único decorado. Si el lugar al que iban les daba la oportunidad de representar en verdaderos teatros, eran maestros utilizando la escenografía, las máquinas de efectos, etc.

Escenificación de la comedia dell´ arte

Las obras se dividían en tres actos, tenían una trama definida y una serie de personajes arquetípicos, dentro de esos dos límites los actores podían improvisar. Los temas solían ser enredos amorosos, celos, etc. La proporción de texto y gesticulación podía variar en función del país donde estuviera actuando la compañía, en países extranjeros había menos gags verbales y más visuales.


El realismo

Las obras realistas tienen dos importantes retos; una es alcanzar la elevación de espíritu y expresión, y otra conseguir el efecto dramático sin perder la sensación de naturalidad. Los vestuarios y escenografías, rigurosos y fieles a la realidad, y el escenario de “medio cajón” tenderían precisamente a proporcionar esta sensación ilusoria de estar contemplando algo que sucede realmente.

En Francia, El Teatro Libre de Antoine era el verdadero escaparate del Realismo y fundó el modelo de teatro experimental que luego se seguiría en el resto de Europa y en Estados Unidos. Supuso una renovación en la forma de interpretar, pues hizo que los actores hablaran y se movieran como seres humanos reales, eliminando la norma de no dar la espalda al público. Utilizaba decorados realistas, con muebles reales de la época, sin usar bambalinas ni telones. Su proyecto supuso un triunfo para el teatro ya que logró encontrar una forma realista de representar, humanizó la actuación, estimuló la creación de nuevos dramaturgos y creó la idea de los conjuntos actorales.


“Vieille renommée”, puesta en escena de André Antoine

En Rusia, el Realismo se convirtió en teatro psicológico. El Teatro del Arte de Moscú, consigue que Antón Chejov, que había fracasado anteriormente con su obra “La gaviota”, se convenciera de seguir escribiendo para el teatro, y así surgieron obras maestras del drama como “El tío Vania”, “Las tres hermanas” o “El jardín de los cerezos”. En sus obras no se produce el conflicto de héroes o heroínas, sino que la historia parte ya de un conflicto en el que esos héroes y heroínas han sido ya derrotados; no luchan, sino que se abandonan a un destino ya cumplido; la obra desarrolla esa derrota vital de los personajes.

Bernard Shaw, un autor que cosecha grandes éxitos con comedias de fino humor, como “Casa de Viudos” o “El soldado de chocolate”. Su obra culminante fue “Cándida”. La continuada calidad de sus obras le consagraron como el más grande de los dramaturgos ingleses modernos.

George Bernard Shaw

En Inglaterra, en la década de los años 1890, aparecen dos dramaturgos realistas de importancia. Oscar Wilde cautivó al público londinense con sus comedias de alta sociedad, llenas de ironía, en las que manejaba como nadie un lenguaje cínico y elegante; escribió cuatro comedias cuya culminación fue “La importancia de llamarse Ernesto”.

La obra se estrenó en 1895, bajo el subtítulo: “comedia banal para gente muy seria”. Toda ella es un juego de acciones y lenguaje, aprovechando los dobles sentidos de las palabras y las significaciones sociales de los términos, la puesta fue todo un éxito que se vio empañado por el escándalo propio de una sociedad puritana y cruel, deseosa de ver caer al hombre que se había atrevido a cuestionar las bases y principios de esa misma sociedad.

El Realismo español está representado por las obras teatrales de Benito Pérez Galdós, que a veces son adaptaciones de sus novelas, y por Echegaray, que obtuvo el Premio Nobel , y que fue un autor de éxito en su momento, pero hoy poco considerado.

Fuente: https://arteescenicas.wordpress.com/2010/02/10/teatro-del-siglo-xix-teatro-realista-y-naturalista/


El simbolismo

Fue uno de los movimientos artísticos más importantes de finales del siglo XIX, originado en Francia y en Bélgica. En un manifiesto literario, publicado en 1886, Jean Moréas definió este nuevo estilo como «enemigo de la enseñanza, la declamación, la falsa sensibilidad y la descripción objetiva». Para los simbolistas, el mundo es un misterio por descifrar, y el poeta debe para ello trazar las correspondencias ocultas que unen los objetos sensibles (por ejemplo, Rimbaud establece una correspondencia entre las vocales y los colores en su soneto Vocales). Para ello es esencial el uso de la sinestesia.

Para el poeta el símbolo debe ser portador de una imagen que genere una sensación particular, y su sonido al pronunciarse debe acoplarse a la música total del poema. Algunos de los símbolos se hicieron tan populares por su sonido y su poder evocador, que en poco tiempo se fue conformando una convención, que los poetas de la época compartían. El ejemplo más notable de esto se da con la palabra azur, la cual es una mezcla de las palabras azul y cielo, y que se convirtió en una de las más famosas convenciones literarias del simbolismo. Existen tres tipos generales de símbolos:

Los símbolos naturales, los símbolos míticos y los que fusionan lo abstracto y lo concreto. No queremos por tanto en este estudio del simbolismo hacer un análisis partiendo de la semiótica o el interaccionismo simbólico, sino observarlo desde un punto de vista puramente estético, literario en este caso, para dar cuenta de los ejes o columnas vertebrales de la estética simbolista que puedan servirnos de apoyo para un posterior análisis de una puesta en escena simbolista, en un contexto distinto a la Europa de finales del siglo XIX.

Paul Fort y Lugné-Poe dan inicio al Teatro de Arte en París. Una historia de las reacciones: simbolismo versus realismo-naturalismo. Concepción de mundo: “la realidad” no es una percepción inmediata de lo empírico, es un ámbito de revelaciones “suprasensibles”. El “mito de la caverna” de Platón como antecedente filosófico de dicha visión.

Mito de La Caverna de Platón

Se retoma la visión platónica del mundo, para liberarla del canon burgués, materialista y pragmático. Se aproxima a la tradición filosófica y artística de Kant, del romanticismo, Wagner y Nietzsche. Frente a la visión objetivista, racional y utilitaria del realismo y sus bases científico-sociales, el simbolismo propone un mundo inefable, invisible, misterioso. Un mundo de lo suprasensible, alejado de la realidad percibida y evidente.

Procedimiento base: el símbolo A partir de esta concepción de mundo: ¿cómo se vincula lo real con lo ficción? El símbolo es el procedimiento base: punte entre lo sensible y lo suprasensible. El símbolo es lacónico, infinito, opaco, denso y condensador de múltiples significaciones. El símbolo es una enunciación metafísica de lo invisible, de aquello que lo empírico no capta.

Reglas de juego simbolistas El teatro es expresión del misterio y presencia de la alteridad, de lo sagrado. Apela a lo extracotidiano, propone un mundo autónomo, sin lógica frente a lo conocido. La escena entabla conexiones con lo inefable, lo ancestral, lo maravilloso. Sinestésico: articulación de sensaciones y sentidos (perfumes, colores, sonidos…) Obra de arte total según la premisa de Wagner. Opacidad: estimula la imaginación del espectador limitándole información, pues incorpora el “no saber”. Lo oculto es sugerido, no enunciado.

Sinestesia en el Teatro Circo de Murcia

Escenotecnia no ilusionista: telón pintado, gasas, sombras y claroscuros. Cronotopo específico: sin lógica empírica, con primacía de las secuencias “pasajes” (sueños, fantasías, transformaciones). Causalidad implícita, difícilmente inteligible por su conexión con lo desconocido. Se valora lo “estático” y el “silencio”. Dice: “la palabra es del tiempo, el silencio es de la eternidad” No hay gradación de conflictos en la trama: la escena propicia la “ceremonia”.

No hay tesis o premisas ideológico-sociales. La escena muestra sólo “el misterio de vivir”, sin predicaciones. El actor/artista es un medium (chaman, sacerdote), no un intérprete. Los lazos entre lo invisible y lo visible se construyen por medio de: a) el animismo, b) el personaje u objeto “jeroglífico”. Se propone transformar el mundo ofreciéndole al espectador un contacto con lo “sagrado”.

El simbolismo en el teatro

Fuente: https://www.ecured.cu/Teatro_simbolista

Fuente: https://es.slideshare.net/siguryo/teatro-simbolista





El romanticismo a escena

En el Romanticismo, el autor que conjuga teoría y práctica teatral, adelantándose al resto de Europa, es el alemán Goethe. Este autor no sólo escribió obras que forman parte ya de la literatura universal, como Fausto, el mito del hombre que vende su alma al diablo, sino que también reflexionó sobre el hecho teatral, en su novela “Wilhelm Meister”, donde sigue la trayectoria y el aprendizaje de un muchacho que se va a dedicar vocacionalmente al teatro. En esta novela considera que el teatro es el único arte que puede comunicar con multitudes por medio de la poesía.

El mito de Fausto– novela de Goethe

Las obras de Friedrich Schiller, contemporáneo y amigo de Goethe, corresponden al movimiento Sturm und Drang, que preludió al Romanticismo alemán y europeo. Fue durante toda su breve vida dramaturgo y gerente de teatro. Sus obras son dramas históricos, como la primera de ellas, “Los bandidos”, a la que siguieon otras, como “Don Carlos”, “María Estuardo” o “Guillermo Tell

Producción infantil del Gran Teatre del Liceu
Representación Don Carlos

En Francia el Romanticismo en el teatro llega con el escándalo por el estreno de “Hernani”, de Víctor Hugo, en 1830. Hugo fundirá la tragedia y la comedia en el género llamado drama, como ya hicieran antes los alemanes, siguiendo la línea del teatro barroco; desdeña las reglas clásicas aristotélicas, de tanto vigor en Francia, interesándose más por el color local, el carácter de los personajes y su simbolismo.


“El Romanticismo es el liberalismo en literatura” – Víctor Hugo

Hugo además defiende la total libertad del autor para sus creaciones. La representación de su obra “Hernani” dividió al público francés en partidarios del clasicismo y partidarios de la libertad romántica, en una verdadera batalla campal que se repitió durante las cuarenta y cinco representaciones que tuvo la obra.

En España, los románticos se sintieron atraídos, como los europeos, por dramas históricos de escenarios insólitos, tenebrosos o exóticos, por personajes malditos, y por las tragedias en el que el amor y el destino llevan a los protagonistas a un desenlace desastroso. Uno de los grandes autores del teatro romántico español es José Zorrilla, que recrea de nuevo la figura del seductor demoníaco don Juan, en su obra “Don Juan Tenorio”, donde por primera vez el protagonista es salvado por el amor de doña Inés, y no condenado como sus antecesores.

La obra del Don Juan de José Zorrilla también cuenta con adaptaciones cinematográficas. En concreto, a través de este botón se llega a un enlace en el cual poder visualizar la misma.


Bailando entre bambalinas: la Danza-Teatro

¿Qué es la DanzaTeatro?

Representación escénica de DESPIERTA– Danza Teatro sobre Violencia

La definición más generalizada del término danza-teatro (tanztheater) nos remite a la unión de la danza “genuina” y los métodos del teatro creando una nueva, única forma de danza que en contraste con el ballet clásico se distingue por una fuerte referencia a la realidad.

El término ya había sido utilizado por miembros del movimiento expresionista alemán de los años 20 que deseaban distanciarse de las tradiciones del ballet clásico. 

El tanztheater acude desde lo formal a la palabra, el canto, la música en vivo, el teatro, el movimiento en su más amplia acepción interpretado por bailarines entrenados, encadenando tiempo, espacio, escenografía, luces, trajes, acciones físicas y vocales, objetos en torno a una reflexión existencial que se traduce en un tema concreto. Generalmente no hay diagrama narrativo, presentando situaciones escénicas referidas a los conflictos humanos y estimulando al espectador a identificarse y reflexionar sobre ciertas líneas de pensamiento. 


Tanztheater Wuppertal Pina Bausch

La Volkswang Schule, de donde provienen Pina Bausch, Susanne Linke, Reinhilde Hoffman rescata la danza teatro de aquel origen expresionista y la transforma en manifestación contemporánea. A menudo los autores parecen filosofar mientras actúan oscilando entre lo visceral y la razón como respuesta al desconcierto que genera la visión del mundo. Surgen obsesiones escénicas que son propias de la época: la soledad, las desigualdades entre el hombre y la mujer, la injusticia social, las matanzas, la violencia, la ausencia de amor, la individualidad, el hombre atrapado por sus profundidades más oscuras.

La gran diferencia entre el postmodernismo y la danza teatro es básicamente el contenido humano, social, histórico y filosófico reunidos en la dramaturgia personal del coreógrafo, su visión del mundo. Frente a la consigna motion/not emotion, Pina Bausch sostiene que no le interesa saber cómo se mueve la gente sino qué los mueve. Su obra desde 1973 es una oposición a la formalidad y banalidad excesivas de la época.


En la danza-teatro conviven múltiples propuestas abiertas a todo tipo de técnicas corporales desde la danza clásica hasta el fly low, desde la actuación hasta la improvisación más íntima, desde las técnicas orientales -butoh, yoga- hasta la destreza más indómita, herramientas que encauzan la imaginación audaz y caudalosa del coreógrafo. Bajo todas ellas, lo que caracteriza a la danza-teatro es la necesidad de expresión de la conflictividad humana.

Fuente: https://www.danzaballet.com/que-es-la-danza-teatro/